Rehabilitando muros de granito

¿Por qué es tan importante usar mortero de cal y no cemento sobre muros de granito?
El granito está formado por cuarzo, feldespato plagioclasa y mica. El cemento es practicamente impermeable y no permite dejar salir la humedad que se derivan al granito las sales de los morteros de cemento reacciona con el feldespato y oxida el granito, todo este caldo de cultivo hace que ser acelere su oxidación, que se ablande y se vuelva quebradizo. Por eso y por otras muchas cosas ( fungicida, flexibilidad…) es tan importante usar mortero de cal en rehabilitación.

En las imágenes podéis ver trozos de cemento de la fachada con granito oxidado que saltó al sacar el cemento con agua a baja presión en una rehabilitación que estamos haciendo en A Coruña. En esta fachada, hemos substituido el cemento por mortero de cal. Cuidemos de nuestro patrimonio, dejemos que nuestras piedras sigan respirando!

Lois Cid y la creación del paisaje contemporáneo

Hoy queremos compartir con vosotros el trabajo de Lois Cid (Ourense 1993), artista multidisciplinar licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Cuenca y MA en Fotografía por la Royal Academy of Fine Arts Antwerp . Su poética encaja con nuestra idea de la arquitectura y nos sugiere interesantes reflexiones. 

Durante los últimos años, el trabajo de Lois Cid se ha centrado en el análisis de los materiales con los que el ser humano transforma el terreno, estudiando su implicación en la creación y modificación del paisaje contemporáneo.

En “Estructuras de fusión” el contexto de la obra se formula como un sitio arqueológico, donde no existe diferencia entre los restos de las edificaciones y los nuevos materiales con los que están construidos. Gran parte de estos desechos se reciclan para su uso en nuevas construcciones.

La dirección temporal-histórica es absorbida por un proceso infinito de recuperación, reformulación y posuso.

Las ruinas contemporáneas son una masa sedimentaria en constante transformación y pertenecen a un presente perpetuo.

Cabeza de viga

Va a tener razón un profesor de estructuras mío quien, después de mil complejos cálculos, nos decía “Y menos mál que las casas tienden a no caerse”.

Esta viga de tronco de castaño tiene unos 160 años, y hasta hace muy poco soportaba ¡una vivienda!!!!.

Estos milagros, otros y muchas otras curiosidades son las que descubrimos en el fascinante mundo de la rehabilitación arquitectónica, y los iremos compartiendo…

Intimidad y memoria objetual. Lo que la ciudad esconde.

En marzo de 2015 llevamos a cabo un proyecto comisarial con el título “Intimidad y memoria objetual. Lo que la ciudad esconde”. En él se plasmaba, a través de una exposición, el resultado de un proyecto de investigación en el que, tomando como punto de partida un edificio abandonado, reflexionamos acerca de la naturaleza de la ruina en la sociedad contemporánea y de los objetos olvidados como portadores de la memoria. Los temas que tratamos en aquel proyecto. Cinco años después, otro Marzo nos ha llevado a escondernos en casa. No dejamos de reflexionar sobre ello.

¿Cómo se construye la intimidad en la vivienda…?, y ¿qué ocurre con esa intimidad cuando deja de estar habitada por personas? La vivienda se convierte entonces en un contenedor de objetos, sus verdaderos habitantes, que establecen relaciones con el tiempo como cicatriz generadora de belleza plástica y deconstructora de memoria.

Construimos sobre el territorio y lo modelamos, arrebatándole el medio a la naturaleza, saliendo de la cueva. Desarrollamos habilidades técnicas, tecnologías y sistemas relacionados con nuestra ubicación y sus afecciones externas (clima, lugar, orientación, demografía). Edificamos para habitar el vacío y llenarlo con nuestra intimidad.

Cuando el vacío edificado es “desalojado” se libera de la presencia de los sujetos que lo habitaban con su necesidad intrínseca de luchar de forma permanente contra “lo natural”. En el momento en que el hombre deshabita, la naturaleza reclama lo que es suyo de forma lenta pero determinante, y es entonces cuando el tiempo cambia su ritmo. Esta alteración se percibe al descubrir los espacios “abandonados” que nos desconciertan y conmueven con señales de su pasado habitado y de su memoria que va siendo colonizada por el medio. Las estancias se transforman en una especie de oasis/refugio indiferente a los infinitos estímulos del exterior, el espacio se convierte en seducción y poesía, y la decadencia se transforma en belleza plástica y emocional.

En un primer acercamiento nos interesamos por la ruina como elemento crítico frente a la sociedad, al evidenciar la capacidad de destrucción del ser humano, y como memento de la vanidad y del fracaso de éste frente a la naturaleza y el tiempo.Cada vez más lejos del concepto romántico de vestigio y reliquia del siglo XIX, la ruina contemporánea es a menudo la víctima de un capitalismo salvaje que acumula excedentes, atesora especulación y que ha ido transformando el entorno sin escrúpulos, fomentando el desarraigo y la disolución de la memoria colectiva

En un segundo nivel nos fijamos en la memoria de la edificación como contenedor de la memoria de los objetos. El propósito de este proyecto no es utilizar al objeto como transmisor de información procedente del sujeto, sino que vemos al objeto como poseedor de una vida propia. Al portar la energía de su existencia anterior, nos cuenta su historia a través de las huellas que el tiempo vivido ha dejado en él. El observador/testigo reconstruye la memoria del objeto, deteriorada por el desuso, rellenando los vacíos mediante su propia imaginación e intuición.

Hacemos una reflexión abierta sobre la trascendencia del objeto en relación con el sujeto que lo “usa” mientras le sirve de “utilidad”, y su significación intrínseca como seña de identidad. Los objetos nos hablan y nos seducen, se nos muestran bellos vestidos de polvo y contextualizados entre la podredumbre, las telarañas, los xilófagos y el guano… si sabemos escucharlos nos dirán lo que quieren ser.

Rehabilitación de un edificio tradicional catalogado en A Coruña.

Comenzando con la dirección de obra de la rehabilitación de un edificio tradicional catalogado en A Coruña.

Es ahora cuando descubre toda su intimidad, las huellas y cicatrices que el paso del tiempo, sus moradores, y también sus habitantes secretos, han ido dejando.

Cada edificio tiene una historia, una vida propia que se nutre de su evolución, sus fases de crecimiento, dolencias, adaptaciones a las diferentes maneras de vivir, … Saber leer, recoger, y custodiar esa historia única es también parte fundamental de nuestro trabajo. No hay cosa que nos pueda gustar más.

Semana de la Arquitectura – 1-8 Octubre

Comienza la Semana de la Arquitectura en A Coruña con un programa de actividades organizadas conjuntamente por la Delegación da Coruña del COAG, la Fundación Luis Seoane, el Concello da Coruña y la ETSAC. Este año la semana está dedicada a la figura del arquitecto coruñés Andrés Fernández-Albalat, uno de los responsables de la introducción del movimiento moderno en Galicia y figura destacada de nuestra arquitectura en la segunda mitad del siglo XX.

La semana de la arquitectura comenzará hoy jueves 1 de octubre con la declaración de Albalat como Hijo Predilecto de la ciudad, iniciando una programación que incluirá visitas al edificio de Begano, al concesionario de SEAT, al Centro de Cálculo de Abanca y al Colegio Escolapios y recorridos por la obra de Albalat desde la plaza de Pontevedra a la Fundación Luis Seoane. Las personas interesadas en asistir a las visitas guiadas y a los recorridos por la ciudad deberán enviar un correo electrónico a semanaarquitectura2020@coruna.es. La plaza se os confirmará vía mail, donde se os informará de las medidas adoptadas por el Covid-19. 

Además, el 5 de octubre se inaugurará la exposición “Andrés Fernández-Albalat Arquitecto. Materiais de arquivo. Obra Coruñesa (1959-1999)”, comisariada por Antonio S. Río, en la sala municipal de exposiciones Salvador de Madariaga.

La programación se completará con una serie de charlas sobre la figura de Albalat en la Fundación Luis Seoane, en la que participarán personalidades y compañeros suyos como Manuel Gallego, César Portela, Patxi Mangado, Javier Harguindey o Cristóbal Crespo, así como los profesores organizadores de esta semana, Antonio S. Río y Carlos Quintáns.

Puedes descargar el programa de actividades aquí: Descargar pdf

La aguja de Notre Dame de París se reconstruirá de forma idéntica a la anterior.

El presidente francés Emmanuel Macron ha terminado con la especulación acerca de la reconstrucción de la catedral de Notre Dame declarando que su aguja se reconstruirá finalmente exactamente igual que la anterior, diseñada en 1859 por Eugène Viollet-le-Duc.

Esta decisión termina con la especulación sobre la idea de añadir un elemento contemporáneo en sustitución de la anterior aguja destruida por el fuego el año pasado.

La decisión de reconstruir la aguja de Viollet-le-Duc se relaciona con un proyecto de ley aprobado por el Senado francés el año pasado que establece que la reconstrucción de la catedral debe ser fiel a su “último estado visual conocido”.

Sin embargo, parece ser un cambio de dirección para el presidente francés que anteriormente había pedido “una reconstrucción inventiva” y dijo que planeaba “reconstruir Notre Dame para que sea aún más hermosa de lo que era”.

Después de estas declaraciones, el primer ministro francés, Edouard Philippe, anunció que habría una competencia internacional para diseñar la próxima aguja de la catedral, declarando: “Como suele ser el caso en la evolución del patrimonio, debemos dotar a Notre-Dame con una nueva aguja”.

Estas declaraciones reabrieron el diálogo entre la reconstrucción de estilo y la huella de la preexistencia, entre la recuperación y la ruina, en definitiva entre las teorías del propio Viollet Le Duc y las de su contemporáneo John Ruskin; provocando además una gran cantidad de propuestas de arquitectos y diseñadores tanto para la catedral como para su aguja.

Diferentes diseñadores, incluidos Vincent Callebaut, Miysis Studio y StudioNAB, propusieron crear un techo de vidrio para reemplazar el perdido en el incendio, mientras que las propuestas más descabelladas incluían convertir el edificio en un estacionamiento, una piscina o un restaurante McDonald’s.

Propuesta de Vincent Callebaut.

Surgieron también había una gran variedad de agujas alternativas que podrían construirse para reemplazar la estructura de Viollet-le-Duc. El estudio italiano Studio Fuksas sugirió crear una aguja de cristal de Baccarat que se iluminaría por la noche..

El diseñador francés Mathieu Lehanneur propuso coronar el edificio con una llama dorada.

Otra propuesta del arquitecto Vizumatelier para la aguja es una torre liviana coronada con un haz de luz que brillaría directamente hacia arriba.

La decisión final de Macron de apoyar la reconstrucción de la aguja de Viollet-le-Duc se debe su deseo de que la reconstrucción de la catedral se lleve a cabo lo más rápido posible, preferiblemente antes de las olimpiadas de 2024 que se llevarán a cabo en París.

Fibonacci

En el inicio del verano observamos de nuevo la majestuosa arquitectura de la naturaleza, que siempre nos ha seducido e inspirado. En especial a la caracola hipnótica, que hemos tenido que entender creando la serie Fibonacci: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89,…. hasta el infinito.

La arquitectura del Románico portugués reinterpretada a través del hormigón

El estudio de arquitectura Spaceworkers ha diseñado el Centro de Interpretação do Românico en el pueblo portugués de Lousada para explicar la historia de la arquitectura románica en el norte del país. Construido sobre la ruta románica -un itinerario de 58 monumentos medievales en el valle de Sousa- del norte de Portugal, el centro de interpretación fue creado para explicar la arquitectura local a los visitantes. La forma del edificio se deriva de la arquitectura románica que pretende ayudar a interpretar.

El museo está formado por siete formas cúbicas de hormigón conectadas por un atrio con techo de vidrio. Estas cajas de hormigón son prácticamente lisas en el exterior con solo alguna ventana y la puerta de entrada, que pretende ser una interpretación de la puerta de una iglesia románica.

El cofundador de Spaceworkers, Rui Dinis comenta “Desde el exterior buscamos incorporar elementos que nos remitan al románico, como la austeridad de las fachadas, la ausencia de aberturas, la escala, además la puerta de entrada al edificio es una reinterpretación contemporánea de la entrada típica encontrada en muchos de los edificios religiosos románicos “.

Las exposiciones del museo se organizan en los siete módulos de de hormigón, cada uno con un techo que toma su forma directamente de la arquitectura románica. “Cada módulo es un espacio de exhibición distinto”, comentan desde el estudio. “Para explorar la relación entre ellos, nos inspiramos en idea de la calle medieval como un elemento unificador y generador de experiencias de vida a través de un claustro, un cuerpo central cubierto de vidrio que precede a la entrada de cada módulo”.

La elección del hormigón como material para construir el museo se basó en la idea de que comunica los ideales del estilo románico.

Rui Dinis comentó acerca de esto: “Las construcciones románicas se hicieron con los elementos disponibles en el lugar en el que se construían, en el caso del norte de Portugal el granito. El cemento es la piedra de nuestros días, y es por eso que lo elegimos como el material principal en este edificio”(…) “También queremos enfatizar la austeridad de las construcciones románicas y entendemos que el hormigón visto es el mejor vehículo para materializar este mensaje”.

Dinis espera que el edificio ayude a todos los que lo visitan a comprender la arquitectura románica en el área local. “Es importante para nosotros que el edificio establezca la conexión entre hoy y el pasado lejano del románico, y que el visitante sienta eso desde el momento en que cruza la puerta de entrada”, concluyó Dinis.


El estudio de arquitectura portugués Spaceworkers fue establecido por Rui Dinis junto con Henrique Marques y Carla Duarte en 2007.

https://www.spaceworkers.pt/en/

https://www.rotadoromanico.com

Fuente: https://www.dezeen.com/

Fotografías: Fernando Guerra

Bridging Home, London

La obra “Bridging home, London” del artista coreano Do Ho Suh nos hace reflexionar sobre los límites entre el arte, la arquitectura y la ciudad. Elevada sobre Wormwood Street (cerca de la céntrica Liverpool Street) en una pasarela peatonal, se encuentra esta pieza desarrollada en conjunto por Art Night y por Sculpture in the City en 2018. Comisariada por Fatoş Üstek y fabricada por The White Wall Company, la obra es una réplica a escala de una tradicional casa coreana de estilo Hanok adornada con un jardín de bambú, que parece haber “caído” en el ángulo del puente.

Las instalaciones a escala arquitectónica de Do Ho Suh se nutren de sus experiencias personales, que recrean espacios domésticos específicos en los que ha residido, ampliando sus investigaciones en curso de memoria, nociones de hogar y migración, desplazamiento e integración intercultural.

“Bridging Home” es una serie en la que Do Ho Suh ha estado trabajando durante la última década. Esta pieza en concreto surgió de la necesidad de responder a las historias individuales de los inmigrantes del East End en Londres, en contraste con el vidrio y la arquitectura de acero de la ciudad.

Otra pieza de la serie “Bridging Home” ubicada en Liverpool en 2010